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L'Animazione 2D offre una vasta gamma di vantaggi, soprattutto per il suo stile visivo classico e senza tempo, che consente la creazione di personaggi e ambienti, catturando l'immaginazione dello spettatore in modo affascinante. Inoltre, la sua apparente semplicità facilita la narrazione di storie complesse in modo accessibile, consentendo una connessione più profonda con il pubblico. La versatilità di questo mezzo consente la sperimentazione con stili visivi ed espressivi, offrendo ai creatori una libertà straordinaria.

Nasce così questo Master in Animazione 2D, che presenta un piano di studi completo che comprenderà moduli, progettati per formare i progettisti nelle sfaccettature dell'animazione bidimensionale. Così, i professionisti affronteranno le basi del design grafico, capendo come l'uso corretto di linee, forme e colori contribuisce alla narrazione visiva nell'animazione. Inoltre, approfondirai i principi di base che governano il movimento e l'espressione in questo mezzo, creando sequenze animate convincenti.

Inoltre, si approfondirà le tecnologie attuali, fornendo conoscenze su Software e tecniche digitali essenziali per la creazione di animazioni 2D contemporanee. A questo bisogna aggiungere una profonda comprensione di aspetti specifici, dallo sviluppo dei personaggi all'applicazione di tecniche avanzate.

Allo stesso modo, gli studenti si prepareranno a pianificare progetti di animazione in modo efficace, considerando aspetti come la sceneggiatura e la progettazione della produzione, per poi concentrarsi sulla realizzazione dei progetti, applicando le loro conoscenze nella creazione di animazioni complete. Infine, gli studenti saranno dotati di competenze per perfezionare e promuovere le loro creazioni sul mercato, comprendendo l'importanza del Marketing e della commercializzazione in questo settore.

Il programma accademico offrirà quindi un'opportunità unica, presentando una modalità completamente online e flessibile. Questo approccio garantirà agli studenti un'ampia libertà nell'organizzazione del proprio programma di studio, consentendo loro di conciliare meglio le responsabilità quotidiane personali e lavorative.

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Approfondirai i concetti chiave che governano il movimento nell'animazione, come l'anticipazione, il sovraccarico e il monitoraggio dell'azione, attraverso la rivoluzionaria metodologia Relearning"

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Il Master in Animazione 2D coprirà una vasta gamma di contenuti, progettati per fornire agli studenti una comprensione approfondita e olistica dell'animazione bidimensionale. Inoltre, il programma includerà moduli fondamentali che copriranno i principi teorici e pratici dell'animazione, dalla creazione di personaggi e scenari alla narrazione visiva. Inoltre, approfondirai le tecniche avanzate di animazione e l'uso di Software specializzato per creare e modificare contenuti animati.

Un piano di studi realizzato da esperti e un contenuto di qualità sono la chiave affinché il tuo apprendimento sia di successo"

Modulo 1. Linguaggio 2D

1.1. Animazione 2D

1.1.1. Fotogrammi
1.1.2. Esposizione dei fotogrammi e tipi di animazione
1.1.3. Stili di Animazione 2D

1.2. Copione

1.2.1. Sceneggiatura audiovisiva
1.2.2. Precursori della sceneggiatura. Sinossi, storyboard e uso dell'applicazione Storybeats
1.2.3. Struttura e terminologia della sceneggiatura

1.3. Uso dell'interfaccia di Toon Boom Harmony

1.3.1. Riconoscimento dell'area di lavoro
1.3.2. Timeline
1.3.3. Strumenti di base

1.4. Linguaggio grafico

1.4.1. Disegno
1.4.2. Linguaggio compositivo
1.4.3. Linguaggio del colore

1.5. Linguaggio cinematografico e audiovisivo -se-en-scène

1.5.1. I piani in base al loro rapporto con l'obiettivo
1.5.2. Movimenti della macchina da presa, loro nomenclatura e utilità
1.5.3. Elementi morfologici di un'opera audiovisiva

1.6. Linguaggio cinematografico e audiovisivo - Aspetto semantico

1.6.1. Montaggio e editing
1.6.2. Transizioni e ritmo
1.6.3. Descrizione delle inquadrature e delle sequenze in base al loro scopo narrativo

1.7. Linguaggio di produzione

1.7.1. Flusso di lavoro e diagramma di flusso nella produzione di un progetto di animazione
1.7.2. L'animatore e il suo rapporto con l'area di produzione
1.7.3. L'animatore e il suo rapporto con l'area regia e le altre aree creative

1.8. L'interfaccia di Adobe Animate

1.8.1. Esplorazione e riconoscimento dell'area di lavoro
1.8.2. Timeline

1.9. Adobe Animazione tradizionale 2D applicata ai media digitali

1.9.1. Terminologie a confronto in Toon Boom Harmony
1.9.2. Terminologie a confronto in Adobe Animate
1.9.3. Terminologie uniche per i media digitali

1.10. Lingue aggiuntive

1.10.1. Linguaggio del suono
1.10.2. Linguaggio del colore e della narrazione
1.10.3. Tono, genere e discorso dell'opera audiovisiva

Modulo 2. Principi di Animazione 2D

2.1. Comprimere e allungare (squash e stretch)

2.1.1. compressa e conservazione della massa
2.1.2. Stiramenti e conservazione della massa
2.1.3. Applicazione nei media digitali e altre deformazioni

2.2. Anticipazione, composizione di forze parallele e inverse e loro valore narrativo

2.2.1. Anticipazione fisica
2.2.2. L'anticipazione narrativa e altri tipi di anticipazione.
2.2.3. Anticipazione dell'anticipazione

2.3. Messa in scena

2.3.1. Messa in scena
2.3.2. Attrattiva visiva e disegno fermo
2.3.3. Animazione secondaria

2.4. Animazione lineare (straight ahead)

2.4.1. Animazione lineare
2.4.2. Animazione posa per posa
2.4.3. Animazione ibrida

2.5. Modifiche della posa del personaggio (breakdowns)

2.5.1. Interleaving diretto e interleaving con breakdowns
2.5.2. Cambi di direzione
2.5.3. Cambiamenti di velocità

2.6. Azione complementare e sovrapposte

2.6.1. Azione complementare
2.6.2. Pettini
2.6.3. Azione di sovrapposizione

2.7. Accelerazioni, decelerazioni e velocità

2.7.1. Decelerazione
2.7.2. Accelerazione
2.7.3. Curve di accelerazione

2.8. Archi

2.8.1. Il perno e l'asse di rotazione
2.8.2. Archi di movimento
2.8.3. Altri percorsi organici di movimento

2.9. Esagerazione

2.9.1. Esagerazione della posa
2.9.2. Esagerazione nel ritmo
2.9.3. Reazioni dei personaggi (take e double take)

2.10. Contatti e attriti

2.10.1. Registro
2.10.2. Contatti
2.10.3. Attrito e resistenze

Modulo 3. Animazione Tradizionale Avanzata

3.1. Animazione di posizioni

3.1.1. Silhouette
3.1.2. Linee d'Azione
3.1.3. Contrapposizioni e inversioni

3.2. Sincronizzazione delle labbra

3.2.1. Movimenti della bocca
3.2.2. Intercalare di vocalizzi e movimenti della bocca
3.2.3. Sincronizzazione digitale automatizzata

3.3. Cicli di camminata

3.3.1. Contatti e cambi di posizione
3.3.2. Cambi di posizione del ciclo di marcia
3.3.3. Ciclo di camminata lineare e ciclo di camminata in Animate e Toon Boom

3.4. Camminate, cicli di corsa e cicli alternativi

3.4.1. Passeggiate
3.4.2. Corse
3.4.3. Cicli alternativi

3.5. Giri completi

3.5.1. Di testa
3.5.2. Giri completi e oggetto
3.5.3. Curve tronche

3.6. Esagerare e calmarsi

3.6.1. Esagerare
3.6.2. Calmare
3.6.3. Rimbalzare (Bounce)

3.7. Rotoscopia, riferimento e documentazione

3.7.1. Rotoscopia
3.7.2. Riferimento video
3.7.3. Integrazione del live-action

3.8. Sweep, multipli e sfocature

3.8.1. Sweeps
3.8.2. Multipli
3.8.3. Defocus

3.9. Colpi puliti e assistenza

3.9.1. Assistenza
3.9.2. Interleaving
3.9.3. Pulizia dei tratti

3.10. Applicazione del colore

3.10.1. L'ombreggiatura come secondo livello di animazione
3.10.2. Proiezione d'ombre
3.10.3. Automazione digitale del colore e delle ombre con Toon Boom

Modulo 4. Strumenti digitali

4.1. Miniature

4.1.1. Importanza dello storyboard come strumento narrativo e di produzione e strumento di produzione
4.1.2. Storyboard di base e anteprime
4.1.3. Miniature e sceneggiature iniziali

4.2. Registrazione vocale

4.2.1. Registrazione vocale
4.2.2. Edizione dei dialoghi
4.2.3. Montaggio di musica ed effetti sonori

4.3. Preparazione

4.3.1. Formato e proporzioni
4.3.2. Composizione
4.3.3. Zone di sicurezza

4.4. Simbologia

4.4.1. Simbologia standardizzata
4.4.2. Simulazione dei movimenti della telecamera
4.4.3. Lo storyboard digitale

4.5. Utilizzo di Storyboard Pro

4.5.1. Interfaccia
4.5.2. Linea sonora e linea temporale
4.5.3. Strumenti aggiuntivi

4.6. Alternative digitali

4.6.1. Storyboard con Photoshop
4.6.2. Storyboard di Adobe Animate
4.6.3. Storyboard in After Effects

4.7. Storyboarding per animatori

4.7.1. L'artista dello storyboard
4.7.2. Le chiavi di animazione nello storyboard
4.7.3. Lavoro in livelli

4.8. Utilizzo di Roughboard

4.8.1. Esplorazione grafica
4.8.2. Preparazione di rough board
4.8.3. Esecuzione

4.9. Sceneggiatura grafica

4.9.1. Composizione
4.9.2. Fondi
4.9.3. Lavoro con i personaggi

4.10. Animazione

4.10.1. Editing in tempo reale
4.10.2. Revisioni
4.10.3. Post-produzione

Modulo 5. Disegno e Animazione dei Personaggi

5.1. Progettazione di personaggi

5.1.1. Silhouette e proporzioni
5.1.2. Colore, stile e personalità

5.2. Guida al personaggio

5.2.1. Studi dei personaggi
5.2.2. Coerenza e tolleranza
5.2.3. Scrittura e struttura di una guida al personaggio

5.3. Scheda modello

5.3.1. Presentarlo in diverse pose
5.3.2. Scheda espressioni e linguaggio del corpo
5.3.3. Foglio delle Vocalizzazioni, della scala e di quelle aggiuntive

5.4. Interpretazione del testo

5.4.1. Testo, genere e tono. Le informazioni che possiamo ricavare da esso
5.4.2. Sottotesto e ironia
5.4.3. Funzione narrativa e intenzione autoriale

5.5. Strumenti d'azione

5.5.1. Azione formale ed esperienziale
5.5.2. Analisi del personaggio e dello sfondo
5.5.3. Stimoli esterni e stimoli interni

5.6. Pantomima e linguaggio del corpo

5.6.1. Linguaggio del corpo, interazioni
5.6.2. Gesti delle mani
5.6.3. Ritmo, movimenti minimi e compito scenico

5.7. Espressioni facciali

5.7.1. Studio dei tratti e delle espressioni del viso
5.7.2. Gli occhi e le loro proprietà espressive
5.7.3. Riferimento e documentazione

5.8. Animazione di un dialogo

5.8.1. Il contributo del doppiatore
5.8.2. Esplorazione di un dialogo registrato
5.8.3. Sfruttare la pausa

5.9. Autoreferenzialità nel video

5.9.1. L'autoreferenzialità
5.9.2. Trascrizione e reinterpretazione
5.9.3. Pulizia e lucidatura

5.10. Animazione di personaggi

5.10.1. Laboratorio di animazione del corpo
5.10.2. Aggiunta della recitazione facciale
5.10.3. Aggiunta della recitazione facciale

Modulo 6. Animazione Vettoriale

6.1. Bitmap e vettoriali

6.1.1. Bitmap
6.1.2. Disegno vettoriale
6.1.3. Confronti e applicazioni

6.2. Uso di Adobe Animate

6.2.1. Simboli, grafica e strumento movie clip
6.2.2. Interpolazione di movimento e movimento semi-tridimensionale
6.2.3. Interpolazione di forma e fotocamera virtuale

6.3. Uso di Toon Boom Harmony

6.3.1. Librerie
6.3.2. Ossa e deformatori
6.3.3. Auto colore

6.4. Preparare un personaggio per Adobe Animate

6.4.1. Separazione di elementi e tracciato
6.4.2. Tracce chiave interne
6.4.3. Costruzione di personaggio

6.5. Preparare un personaggio per Toon Boom Harmony

6.5.1. Tracciato
6.5.2. Ossa e controllo digitale
6.5.3. Regolazioni

6.6. Luci e ombre in Toon Boom Harmony

6.6.1. Impostare i volumi
6.6.2. Luci e fotocamera virtuali
6.6.3. Proiezione d'ombre

6.7. Utilizzo di Story Board Pro

6.7.1. Interfaccia
6.7.2. Linea del tempo
6.7.3. Edizione digitale

6.8. Software alternativi

6.8.1. Krita
6.8.2. Animation Paper
6.8.3. Open Toonz- Anime

6.9. Uso di Muffa

6.9.1. Esplorazione dell'interfaccia
6.9.2. Strumento di Smart Warp
6.9.3. Strumento Smart bones e pin bones

6.10. Uso di Greased Pencil di Blender

6.10.1. Riconoscimento del Software
6.10.2. Driver e funzionalità aggiuntive
6.10.3. Sincronizzazione automatica delle labbra

Modulo 7. Animazione Specializzata

7.1. Cicli di cammino di esseri non bipedi

7.1.1. Quadrupedi
7.1.2. Altri animali non plantigradi
7.1.3. Cicli di locomozione alternativi

7.2. Ulteriori movimenti pratici

7.2.1. Cicli di volo
7.2.2. Scale, sollevamento di peso, cadute
7.2.3. Colpi, interazioni, danza

7.3. Effetti speciali, fluidi

7.3.1. Piccoli corpi idrici
7.3.2. Grandi masse d'acqua
7.3.3. Fluidi viscosi

7.4. Effetti speciali, fuoco e fumo

7.4.1. Fuoco
7.4.2. Fumo
7.4.3. Incendi, fiamme e lava

7.5. Animazione dei fenomeni meteorologici e climatici

7.5.1. Pioggia, tempeste e fulmini
7.5.2. Neve e vento
7.5.3. Rifrazioni

7.6. Animazione di effetti speciali fantastici e fantascientifici

7.6.1. Effetti magici
7.6.2. Effetti enfatici
7.6.3. Effetti di fantascienza

7.7. Animazione di capelli e tessuto

7.7.1. Capelli
7.7.2. Tessuto
7.7.3. Carta, corde e altri

7.8. Esplosioni, cadute e rotture

7.8.1. Frane
7.8.2. Esplosioni
7.8.3. Rotture

7.9. Effetti Illuminazione e proiezione delle ombre

7.9.1. Ombre sopra la figura
7.9.2. Effetti di illuminazione
7.9.3. Proiezione digitale automatizzata di ombre e ombre

7.10. Transizione di immagini e trasformazioni

7.10.1. Transizione delle immagini
7.10.2. Deformazioni estreme
7.10.3. Orbite

Modulo 8. Pre-produzione

8.1. Direzione dell'animazione

8.1.1. Stile e visione
8.1.2. Responsabilità, proattività, disponibilità e delega
8.1.3. Comunicazione con i team creativi e di produzione

8.2. Suddivisione della sceneggiatura

8.2.1. Software di pianificazione
8.2.2. Identificazione delle risorse di animazione (asset)
8.2.3. Creazione di una ripartizione della sceneggiatura

8.3. Produzione online e flusso di lavoro

8.3.1. Produzione in linea
8.3.2. Flusso di lavoro
8.3.3. Introduzione al programma Shotgun

8.4. Arte concettuale

8.4.1. Dalla sceneggiatura alla concept art
8.4.2. Lo stile visivo
8.4.3. Lavorare con il regista e le referenze

8.5. Progettazione della location

8.5.1. Struttura ed esigenze narrative di una location
8.5.2. Il fuori campo, le atmosfere e il colore
8.5.3. Concept art e design della location per il progetto finale

8.6. Design degli oggetti di scena e schede dei modelli

8.6.1. Esigenze pratiche di progettazione degli oggetti di scena
8.6.2. Veicoli e oggetti praticabili
8.6.3. Progettazione di oggetti di scena per il progetto finale

8.7. Sceneggiatura a colori

8.7.1. Il valore narrativo del colore
8.7.2. Le chiavi di lettura del colore
8.7.3. Sceneggiatura del colore per il progetto finale

8.8. Interpretazione dello storyboard

8.8.1. Interpretazione dello storyboard
8.8.2. Impaginazione del lay out
8.8.3. Lay out finale per il progetto definitivo

8.9. Registrazione delle voci finali

8.9.1. Direzione dei doppiatori
8.9.2. Editing audio digitale
8.9.3. Posizione del voice over per il progetto finale

8.10. Test e animazione pilota

8.10.1. Test a matita
8.10.2. Integrazione con luoghi e colori
8.10.3. Regolazioni e correzioni del pilota

Modulo 9. Produzione

9.1. Utilizzo del Rough Animation

9.1.1. Primo passaggio
9.1.2. Masse, archi e contatti

9.2. Progettazione del movimento

9.2.1. Recitazione corporea e spunti narrativi
9.2.2. Recitazione facciale
9.2.3. Break downs e spacing

9.3. Posizioni chiave

9.3.1. Risoluzione delle pose chiave
9.3.2. Revisione delle masse
9.3.3. Chiavi di sincronizzazione labiale

9.4. Interleaving

9.4.1. Principi dell'interleaving
9.4.2. Interleaving di archi e percorsi
9.4.3. Interleaving digitale

9.5. Pulizia e assistenza delle tracce

9.5.1. Il lavoro dell'assistente all'animazione
9.5.2. La linea nella pulizia del tratto
9.5.3. Pulizia dei tratti e assistenza digitale

9.6. Ombreggiatura digitale e tratto per tratto

9.6.1. L'ombreggiatura, un secondo livello di animazione
9.6.2. Gradienti, mezzitoni e livelli d'ombra
9.6.3. Laboratorio di ombreggiatura automatizzato

9.7. Animazione aggiuntiva

9.7.1. Animazione di effetti speciali
9.7.2. Introduzione ad After Effects
9.7.3. Effetti digitali

9.8. Compositing digitale e telecamere

9.8.1. Compositing digitale
9.8.2. Animazione della telecamera
9.8.3. Telecamera multiplanare e 2.5D

9.9. Rendering

9.9.1. Standard industriali
9.9.2. Consegna dei test
9.9.3. Prodotti finali

9.10. Progettazione del titolo

9.10.1. Introduzione alla grafica in movimento
9.10.2. Progettazione del titolo
9.10.3. Pratica dei crediti di ingresso e di uscita

Modulo 10. Post produzione e Marketing

10.1. Editing e composizione finale

10.1.1. Montaggio
10.1.2. Transizioni
10.1.3. Blocco del movimento

10.2. Design del suono

10.2.1. Definizione e analisi degli esempi
10.2.2. Direzione del sound designer
10.2.3. Partiture e colonna sonora

10.3. Mixaggio del suono

10.3.1. Definizione e analisi degli esempi
10.3.2. Direzione nel missaggio del suono
10.3.3. Mixaggio finale

10.4. Correzione del colore attraverso DaVinci Resolve

10.4.1. Introduzione a DaVinci Resolve
10.4.2. Bilanciamento del colore
10.4.3. Gamma dinamica

10.5. Bobina dimostrativa (Demo reel)

10.5.1. Selezione ed editing del lavoro
10.5.2. Aspetto sonoro
10.5.3. Piattaforme e promozione

10.6. Mercati

10.6.1. Pubblicità
10.6.2. Autogestione sui social media
10.6.3. Animazione, tecnica, medica e altre specialità

10.7. Auto-rappresentazione

10.7.1. Negoziazione
10.7.2. Test di animazione e loro quotazione
10.7.3. Domande operative e situazionali

10.8. Finanziamento del progetto

10.8.1. Canali e inviti a presentare proposte
10.8.2. Creazione di cartelle
10.8.3. Finanziamenti misti

10.9. Finanziamento privato

10.9.1. Equity e imprese creative
10.9.2. Micro-mecenatismo
10.9.3. Trattamento e strategia di vendita

10.10. Registrazione e diritti dell'opera

10.10.1. Registrazione delle opere
10.10.2. Diritto d'autore internazionale
10.10.3. Diritti d'autore internazionali

Un’esperienza educativa unica, cruciale e decisiva per crescere professionalmente”