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Modulo 1. Storia del Design

1.1. A cosa serve conoscere la storia?

1.1.1. Valorizzare la storia
1.1.2. Anticipare il futuro
1.1.3. Il passato ci rende liberi
1.1.4. Conclusioni

1.2. Considerare la “Storia del Design” come disciplina

1.2.1. Come scriviamo la storia della storia?
1.2.2. Contesto de prendere in esame
1.2.3. Lo sviluppo della disciplina: Anni 70, 80 e 90
1.2.4. L’oggetto di studio della storia del Design
1.2.5. Tendenze e linee di ricerca

1.3. Rivoluzione industriale e altre correnti

1.3.1. Conseguenze della Rivoluzione industriale sul design
1.3.2. L’influenza orientale
1.3.3. Arts and Crafts. William Morris
1.3.4. Estetismo
1.3.5. Art Nouveau

1.4. Panorama storico I

1.4.1. Secessione viennese
1.4.2. Deutscher Werkbund
1.4.3. Il Costruttivismo russo
1.4.4. Il movimento De Stijl e il Neoplasticismo

1.5. Bauhaus

1.5.1. Che cos'è la Bauhaus?
1.5.2. Prima fase
1.5.3. Seconda fase
1.5.4. Terza fase
1.5.5. Principi di base
1.5.6. Influenze

1.6. Panorama storico II

1.6.1. Art Decò
1.6.2. Lo stile internazionale
1.6.3. Design nella post-guerra
1.6.4. La Scuola di Ulm
1.6.5. La Scuola svizzera

1.7. La parte funzionale e il funzionalista

1.7.1. Lo sguardo funzionalista
1.7.2. Il bello e il pratico
1.7.3. Le analogie del funzionalismo
1.7.4. Il funzionalismo come stile

1.8. Panorama storico III

1.8.1. La Scuola di New York
1.8.2. Aerodinamicità americana
1.8.3. Design scandinavo
1.8.4. Design democratico

1.9. Altre tendenze

1.9.1. Il Pop
1.9.2. High-Tech
1.9.3. Minimalismo
1.9.4. Kitsch

1.10. L’era digitale

1.10.1. La rivoluzione dell'informazione
1.10.2. Il design assistito dal computer
1.10.3. Biodesign, neo biomorfismo, design eco-friendly
1.10.4. L’immagine digitale e le nuove tipografie

Modulo 2. Introduzione al colore

2.1. Il colore, principi e proprietà

2.1.1. Introduzione al colore
2.1.2. Luce e colore: la sinestesia cromatica
2.1.3. Attributi del colore
2.1.4. Pigmenti e coloranti

2.2. I colori del circolo cromatico

2.2.1. Il circolo cromatico
2.2.2. Colori freddi e caldi
2.2.3. Colori primari e derivati
2.2.4. Le relazioni cromatiche: armonia e contrasto

2.3. Psicologia del colore

2.3.1. Costruzione del significato di un colore
2.3.2. Il peso emotivo
2.3.3. Valore denotativo e connotativo
2.3.4. Marketing emotivo. Il peso del colore

2.4. Teoria del colore

2.4.1. Una teoria scientifica. Isaac Newton
2.4.2. La teoria dei colori di Goethe
2.4.3. Congiungendo la teoria dei colori di Goethe
2.4.4. La psicologia del colore secondo Eva Heller

2.5. Insistendo sulla classificazione dei colori

2.5.1. Il doppio cono di Wilhelm Ostwald
2.5.2. Il solido di Albert Munsell
2.5.3. Il cubo di Alfred Hickethier
2.5.4. Il triangolo CIE (Commissione Internazionale per l’Illuminazione)

2.6. Lo studio individuale dei colori

2.6.1. Bianco e Nero
2.6.2. Colori neutri. La scala del grigio
2.6.3. Monocromo, bicromo, policromo
2.6.4. Aspetti simbolici e psicologici dei colori

2.7. Modelli di colore

2.7.1. Modello sottrattivo. Modo CMYK
2.7.2. Modello additivo. Modo RGB
2.7.3. Modello HSB
2.7.4. Sistema Pantone. La gamma di colori Pantone

2.8. Dalla Bauhaus a Murakami

2.8.1. La Bauhaus e i suoi artisti
2.8.2. Teoria Gestalt al servizio del colore
2.8.3. Josef Albers. L’interazione del colore
2.8.4. Murakami, le connotazioni dell'assenza di colore

2.9. Il colore nel progetto di design

2.9.1. La Pop Art. Il colore delle culture
2.9.2. Creatività e colore
2.9.3. Artisti contemporanei
2.9.4. Analisi da diversi punti di vista e prospettive

2.10. La gestione del colore nell'ambiente digitale

2.10.1. Spazi del colore
2.10.2. Profili del colore
2.10.3. Calibrazione degli schermi
2.10.4. Cosa dobbiamo tenere a mente

Modulo 3. Introduzione alla forma

3.1. La forma

3.1.1. Definizione, cos’è?
3.1.2. Qualità e caratteristiche
3.1.3. Contorno, silhouette, figura e profilo, aspetti della stessa realtà
3.1.4. Rappresentazione essenziale

3.2. Tipologie della forma. Estetica della forma funzionale

3.2.1. Tipi di forme secondo la loro origine
3.2.2. Tipi di forme secondo la loro configurazione
3.2.3. Tipi di forme secondo il loro significato
3.2.4. Tipi di forme secondo la loro relazione con lo spazio
3.2.5. Tipi di forme secondo la loro relazione fondo-forma

3.3. Le prime forme grafiche

3.3.1. Lo scarabocchio
3.3.2. La forma della macchia
3.3.3. Il punto e la linea
3.3.4. Risvegliare la creatività con il Hirameki
3.3.5. La forma del Haiku

3.4. Composizione della forma

3.4.1. Forma aperta e forma chiusa
3.4.2. Composizione formale, semi-formale e informale
3.4.3. La simmetria
3.4.4. Gli assi. Simmetria assiale e radiale

3.5. L'importanza della proporzione nella forma

3.5.1. La proporzione
3.5.2. Rettangolo aureo
3.5.3. La scala
3.5.4. Tipi di scale

3.6. Ismi: un'applicazione pratica

3.6.1. Cubismo
3.6.2. Suprematismo
3.6.3. Costruttivismo
3.6.4. Dadaismo

3.7. L'essere umano come unità di misura

3.7.1. Il canone
3.7.2. Diversi canoni nella figura umana
3.7.3. La rappresentazione della figura umana nell'arte
3.7.4. L’ergonomia

3.8. Percezione visiva e forma

3.8.1. Percezione visiva
3.8.2. Gestalt
3.8.3. Il pensiero visivo
3.8.4. Interrelazione delle forme

3.9. Psicologia delle forme

3.9.1. Il cerchio
3.9.2. Il quadrato
3.9.3. Il triangolo
3.9.4. Altre forme

3.10. Introduzione alla forma digitale

3.10.1. Dall’analogico al mondo digitale
3.10.2. La forma positiva e negativa
3.10.3. Ripetizione e riflessione
3.10.4. Combinazioni tecniche

Modulo 4. Design editoriale

4.1. Introduzione al design editoriale

4.1.1. Cos’è il design editoriale?
4.1.2. Tipi di pubblicazioni nel design editoriale
4.1.3. Il designer editoriale e le sue competenze
4.1.4. Fattori del design editoriale

4.2. Storia del design editoriale

4.2.1. La ricerca sulla scrittura. Il libro nell’antichità
4.2.2. La rivoluzione di Gutenberg
4.2.3. La libreria dell'Ancien Régime (1520-1760)
4.2.4. La seconda rivoluzione del libro (1760-1914)
4.2.5. Dal XIX secolo a oggi

4.3. Fondamenti del design editoriale per la stampa e per il digitale

4.3.1. Il formato
4.3.2. La reticola
4.3.3. La tipografia
4.3.4. Il colore
4.3.5. Gli elementi grafici

4.4. Mezzi editoriali di stampa

4.4.1. Campi di lavoro e formati
4.4.2. Il libro e i suoi elementi: titoli, intestazioni, testo introduttivo, corpo del testo
4.4.3. Manipolazione: piegatura e rilegatura
4.4.4. La stampa

4.5. Mezzi editoriali digitali

4.5.1. Pubblicazioni digitali
4.5.2. Aspetti della forma nelle pubblicazioni digitali
4.5.3. Le pubblicazioni digitali più comuni
4.5.4. Piattaforme per l'editoria digitale

4.6. Introduzione a InDesign I: primi passi

4.6.1. L'interfaccia e la personalizzazione dell'area di lavoro
4.6.2. Pannelli, preferenze e menù
4.6.3. Il Fat-Plan
4.6.4. Opzioni per la creazione di nuovi documenti e per il salvataggio

4.7. Iniziazione a InDesign II: uno sguardo più approfondito sullo strumento

4.7.1. Il formato della pubblicazione
4.7.2. La reticola nello spazio di lavoro
4.7.3. La griglia di riferimento e la sua importanza
4.7.4. Uso di regole e creazione di linee guida. Modo di visualizzazione
4.7.5. Il pannello e lo strumento di pagina. Le pagine principali
4.7.6. Lavorare con i layer

4.8. Gestione del colore e delle immagini in InDesign

4.8.1. La palette di campioni. Creazione di colori e sfumature
4.8.2. Strumento contagocce
4.8.3. Le sfumature
4.8.4. Organizzazione di immagini e gestione del colore
4.8.5. Uso di vignette e oggetti ancorati
4.8.6. Creazione e configurazione di una tabella

4.9. Testo in InDesign

4.9.1. Il testo: scelta dei font
4.9.2. Cornici di testo e relative opzioni
4.9.3. Pannello dei font e pannello dei paragrafi
4.9.4. Inserire le note a piè di pagina. Tabulazioni

4.10. Il progetto editoriale

4.10.1. Rapporto dei designer editoriali: progetti
4.10.2. Creazione di un primo progetto in InDesign
4.10.3. Quali sono gli elementi da includere?
4.10.4. Pensando l’idea

Modulo 5. Metodologia del design

5.1. Sulla metodologia e sulla progettazione

5.1.1. Cos’è la metodologia del design?
5.1.2. Differenze tra metodo, metodologia e tecnica
5.1.3. Tipi di tecniche metodologiche
5.1.4. Deduzione, induzione e abduzione

5.2. Introduzione alla ricerca nel design

5.2.1. Ereditare il metodo scientifico
5.2.2. Concetti generali dei processi di ricerca
5.2.3. Principali fasi del processo di ricerca
5.2.4. Calendario

5.3. Alcune proposte metodologiche

5.3.1. Proposte per una nuova metodologia di Bürdek Bernhard
5.3.2. L'approccio sistematico di Bruce Archer per i designer
5.3.3. Design integrato generalizzante di Victor Papanek
5.3.4. Il metodo progettuale di Bruno Munari
5.3.5. Il processo di risoluzione creativa dei problemi di Bernd Löbach
5.3.6. Altri autori e schemi di altri metodi

5.4. Definizione del problema

5.4.1. Identificazione e analisi delle necessità
5.4.2. Il Briefing, cos’è?
5.4.3. Cosa deve avere un buon Briefing?
5.4.4. Consigli per preparare un Briefing

5.5. Ricerca per il progetto

5.5.1. Studio dei precedenti
5.5.2. Implicazioni del progetto
5.5.3. Studio del pubblico di riferimento o target
5.5.4. Strumento dello studio del target

5.6. Contesto competitivo

5.6.1. In rapporto al mercato
5.6.2. Analisi della competenza
5.6.3. Proposte di valore

5.7. Studio di fattibilità

5.7.1. Viabilità sociale. Analisi DAFO
5.7.2. Possibilità tecnica
5.7.3. Viabilità economica

5.8. Possibili soluzioni per il Briefing

5.8.1. L’emotività nei processi creativi
5.8.2. Divergenza, trasformazione e convergenza
5.8.3. Brainstorming
5.8.4. Confronto di idee

5.9. Decisione degli obiettivi

5.9.1. Obiettivo generale
5.9.2. Obiettivi specifici
5.9.3. Obiettivi tecnici
5.9.4. Obiettivi estetici e comunicativi
5.9.5. Obiettivi di mercato

5.10. Sviluppo di idee

5.10.1. Il feedback nella fase di ideazione
5.10.2. Le bozze
5.10.3. Presentazione delle idee
5.10.4. Metodi di controllo e di valutazione critica

Modulo 6. Design Grafico

6.1. Introduzione al Design Grafico

6.1.1. Cos’è il Design Grafico?
6.1.2. Funzioni del Design Grafico
6.1.3. Aree di intervento del Design Grafico
6.1.4. Il valore del Design Grafico

6.2. Il Design Grafico come attività professionale

6.2.1. Influenza della tecnologia nello sviluppo della professione
6.2.2. Qual è il ruolo del designer grafico?
6.2.3. Campi professionali
6.2.4. Il designer come cittadino

6.3. Elementi di base

6.3.1. Il punto
6.3.2. la linea
6.3.3. La forma
6.3.4. La texture
6.3.5. Lo spazio

6.4. Elementi formali

6.4.1. Il contrato
6.4.2. L’equilibrio
6.4.3. La proporzione
6.4.4. Il ritmo
6.4.5. L’armonia
6.4.6. Il movimento
6.4.7. L’unità

6.5. Esponenti del design grafico nel XX e XXI secolo

6.5.1. I designer grafici che hanno fatto storia
6.5.2. I designer più influenti
6.5.3. Disegno grafico oggi
6.5.4. Riferimenti visivi

6.6. Cartellonistica

6.6.1. Il poster pubblicitario
6.6.2. Funzioni
6.6.3. I poster del XXI secolo
6.6.4. Riferimenti visivi

6.7. Lo stile grafico

6.7.1. Il linguaggio iconico e la cultura di massa
6.7.2. Il Design Grafico e la sua relazione con l’arte
6.7.3. Lo stile grafico personale
6.7.4. Il design non è una professione, è uno stile di vita

6.8. Dalla strada all’agenzia

6.8.1. Il design come ultima avanguardia
6.8.2. L’arte urbana o Street Art 
6.8.3. Arte urbana applicata alla pubblicità
6.8.4. Arte urbana e immagine del marchio

6.9. Gli strumenti digitali più comuni

6.9.1. Adobe Lightroom
6.9.2. Adobe Photoshop
6.9.3. Adobe Illustrator
6.9.4. Adobe InDesign
6.9.5. CorelDRAW

6.10. Introduzione al progetto di design

6.10.1. Il Briefing
6.10.2. Definizione
6.10.3. Giustificazione
6.10.4. Implicazioni
6.10.5. Obiettivi
6.10.6. Metodologia

Modulo 7. Immagine aziendale

7.1. L’identità

7.1.1. Idea di identità
7.1.2. Perché cercare l’identità?
7.1.3. Tipi di identità
7.1.4. L’identità digitale

7.2. Identità aziendale

7.2.1. Definizione. Perché avere un'identità aziendale?
7.2.2. Fattori che influiscono nell’identità aziendale
7.2.3. Componenti dell’identità aziendale
7.2.4. Comunicazione dell'identità
7.2.5. Identità aziendale, Branding e immagine aziendale

7.3. Immagine aziendale

7.3.1. Caratteristiche dell’immagine aziendale
7.3.2. A cosa serve l’immagine aziendale?
7.3.3. Tipi di immagine aziendale
7.3.4. Esempi

7.4. I segni distintivi basici

7.4.1. Il nome o Naming
7.4.2. I logotipi
7.4.3. I monogrammi
7.4.4. Gli immaginotipi

7.5. Fattori di memorizzazione dell’identità

7.5.1. L’originalità
7.5.2. Il valore simbolico
7.5.3. La pregnanza
7.5.4. La ripetizione

7.6. Metodologia per il processo di creazione di una marca

7.6.1. Studio del settore e della concorrenza
7.6.2. Briefing, modello
7.6.3. Definire strategia e personalità del marchio. I valori
7.6.4. Pubblico di riferimento

7.7. Il cliente

7.7.1. Intuire com’è il cliente
7.7.2. Tipi di clienti
7.7.3. Il processo delle riunioni
7.7.4. L’importanza di conoscere il cliente
7.7.5. Stabilire il budget

7.8. Manuale di identità aziendale

7.8.1. Norme di costruzione e applicazione del marchio
7.8.2. La tipografia aziendale
7.8.3. Colori aziendali
7.8.4. Altri elementi grafici
7.8.5. Esempi di manuali aziendali

7.9. Riprogettare le identità

7.9.1. Motivi per optare per una riprogettazione dell'identità
7.9.2. Gestione del cambiamento nell’identità aziendale
7.9.3. Buona prassi. Riferimenti visivi
7.9.4. Pratica sbagliata Riferimenti visivi

7.10. Progetto di identità del marchio

7.10.1. Presentazione e spiegazione del progetto. Riferimenti
7.10.2. Brainstorming. Analisi del mercato
7.10.3. Pubblico target, valore del marchio
7.10.4. Prime idee e bozza. Tecniche di creatività
7.10.5. Esecuzione del progetto. Tipografie e colori
7.10.6. Consegna e correzione del progetto

Modulo 8. Creazione del portfolio

8.1. Il portfolio

8.1.1. Il portfolio come lettera di presentazione
8.1.2. L’importanza di un buon portfolio
8.1.3. Orientamento e motivazione
8.1.4. Consigli pratici

8.2. Caratteristiche ed Elementi

8.2.1. Il formato fisico
8.2.2. Il formato digitale
8.2.3. L’uso di mockups
8.2.4. Errori più comuni

8.3. Piattaforme digitali

8.3.1. Comunità di apprendimento continuo
8.3.2. Reti Sociali Twitter, Facebook, Instagram
8.3.3. Reti Professionali: Linkedin, InfoJobs
8.3.4. Portfolio nel cloud: Behance

8.4. Il designer nel mondo del lavoro

8.4.1. Sbocchi professionali di un designer
8.4.2. Le agenzie di design
8.4.3. Design Grafico aziendale
8.4.4. Casi di successo

8.5. Come mostrarsi professionalmente?

8.5.1. Tenersi aggiornati e rinnovarsi costantemente
8.5.2. Il curriculum vitae e la sua importanza
8.5.3. Errori comuni in un curriculum vitae
8.5.4. Come creare un buon curriculum vitae?

8.6. Il nuovo consumatore

8.6.1. La percezione del valore
8.6.2. Definizione di un pubblico target
8.6.3. Mappa di empatia
8.6.4. Le relazioni personali

8.7. La mia marca personale

8.7.1. Imprenditorialità: la ricerca di significato
8.7.2. Trasforma la tua passione in un lavoro
8.7.3. L'ecosistema intorno alla tua attività
8.7.4. Modello Canvas

8.8. Identità visiva

8.8.1. Il Naming
8.8.2. I valori di una marca
8.8.3. I grandi temi
8.8.4. Moodboard. L’uso di Pinterest
8.8.5. Analisi dei fattori visivi
8.8.6. Analisi dei fattori temporali

8.9. L’etica e la responsabilità

8.9.1. Decalogo etico per la pratica del design
8.9.2. Diritti d'autore
8.9.3. Design e obiezione di coscienza
8.9.4. Il “buon” design

8.10. Il prezzo del mio lavoro

8.10.1. Hai bisogno di denaro per vivere?
8.10.2. Contabilità di base per gli imprenditori
8.10.3. Tipologie di spese
8.10.4. Il tuo prezzo/ora Prezzo di vendita al pubblico

Modulo 9. Etica, legislazione e deontologia professionale

9.1. Etica, morale, diritto e deontologia professionale

9.1.1. Domande di fondo sull'etica. Alcuni dilemmi morali
9.1.2. Analisi concettuale e origine etimologico
9.1.3. Differenze tra morale e etica
9.1.4. Il legame tra etica, morale, diritto e deontologia

9.2. Proprietà intellettuale

9.2.1. Cos’è la proprietà intellettuale?
9.2.2. Tipi di proprietà intellettuale
9.2.3. Plagio e violazione del copyright
9.2.4. Anticopyright

9.3. Aspetti pratici del codice etico

9.3.1. Utilitarismo, consequenzialismo e deontologia
9.3.2. Agire in modo coerente vs. agire per principio
9.3.3. Efficienza dinamica dell'azione sui principi

9.4. Legislazione e moralità

9.4.1. Concetto di legislazione
9.4.2. Concetto di moralità
9.4.3. Legame tra diritto e morale
9.4.4. Da giusto a ingiusto sulla base di un ragionamento logico

9.5. Condotta professionale

9.5.1. Trattare con il cliente
9.5.2. L'importanza di concordare le condizioni
9.5.3. I clienti non comprano il design
9.5.4. Condotta professionale

9.6. Responsabilità verso gli altri designer

9.6.1. La competitività
9.6.2. Il prestigio professionale
9.6.3. L’impatto sulle altre professioni
9.6.4. Il rapporto con gli altri colleghi. La critica

9.7. Responsabilità sociali

9.7.1. Il design inclusivo e la sua importanza
9.7.2. Caratteristiche da tenere presente
9.7.3. Un cambio di mentalità
9.7.4. Esempi e punti di riferimento

9.8. Responsabilità nell’ambiente

9.8.1. Eco-design. Perché è così importante?
9.8.2. Caratteristiche del design sostenibile
9.8.3. Implicazioni per l’ambiente
9.8.4. Esempi e punti di riferimento

9.9. Conflitti etici e decisioni pratiche

9.9.1. Comportamenti e pratiche responsabili nell’ambito professionale
9.9.2. Buone pratiche del designer digitale
9.9.3. Come risolvere un conflitto di interesse?
9.9.4. Come comportarsi in caso di ricevere regali?

9.10. La conoscenza libera: Licenze Creative Commons

9.10.1. Cosa sono?
9.10.2. Tipi di licenze
9.10.3. Simbologia
9.10.4. Usi specifici

Modulo 10. Tipografia

10.1. Introduzione alla tipografia

10.1.1. Cos’è la tipografia?
10.1.2. Il ruolo della tipografia nel Design Grafico
10.1.3. Sequenza, contrasto, forma e controforma
10.1.4. Relazione e differenze tra tipografia, calligrafia e lettering

10.2. Le molteplici origini della scrittura

10.2.1. La scrittura ideografica
10.2.2. L’alfabeto fenicio
10.2.3. L’alfabeto romano
10.2.4. La riforma carolingia
10.2.5. L’alfabeto latino moderno

10.3. Gli inizi della tipografia

10.3.1. La stampa, una nuova era. Primi tipografi
10.3.2. La rivoluzione industriale: la litografia
10.3.3. Il modernismo: gli inizi della tipografia commerciale
10.3.4. Le avanguardie
10.3.5. Il periodo tra le due guerre

10.4. Il ruolo delle scuole di design nella tipografia

10.4.1. La Bauhaus
10.4.2. Herbert Bayer
10.4.3. Psicologia della Gestalt
10.4.4. La Scuola svizzera

10.5. Tipografia odierna

10.5.1. 1960-1970, precursori della rivolta
10.5.2. Postmodernismo, decostruttivismo e tecnologia
10.5.3. Dove si dirige la tipografia?
10.5.4. Tipografie che fanno tendenza

10.6. La forma tipografica I

10.6.1. Anatomia della lettera
10.6.2. Misure e caratteristiche del tipo
10.6.3. Le famiglie tipografiche
10.6.4. Maiuscole, minuscole e maiuscoletto
10.6.5. Differenza tra tipografia, font e famiglia di caratteri
10.6.6. Filetti, linee ed elementi geometrici

10.7. La forma tipografica II

10.7.1. La combinazione tipografica
10.7.2. Formati di fonti tipografiche (PostScript-TrueType-OpenType)
10.7.3. Licenze tipografiche
10.7.4. Chi dovrebbe acquistare la licenza, il cliente o il progettista?

10.8. La correzione tipografica. Composizione dei testi

10.8.1. La spaziatura tra le lettere. Tracking e Kerning
10.8.2. Lo spazio tra le parole. Il quadratino
10.8.3. Interlinea
10.8.4. Il corpo della lettera
10.8.5. Caratteristiche del testo

10.9. Il disegno della lettera

10.9.1. Il processo creativo
10.9.2. Materiali tradizionali e digitali
10.9.3. L'uso della tavoletta grafica e dell'ipad
10.9.4. Tipografia digitale: contorni e bitmap

10.10. Poster tipografici

10.10.1. La calligrafia come base per il disegno delle lettere
10.10.2. Come realizzare un'impaginazione d'impatto?
10.10.3. Riferimenti visivi
10.10.4. La fase del bozzetto
10.10.5. Progetto

Un'esperienza educativa unica, cruciale e decisiva per crescere professionalmente"