Vous souhaitez vous spécialiser dans la musique et les arts du spectacle? Alors ce Mastère spécialisé et ses 1.500 heures de contenu théorique et pratique sont parfaits pour vous. Allez-vous laisser passer cette incroyable opportunité?" 

Bien qu'il n'existe pas de données fiables pour confirmer l'origine de la musique et de la danse, de nombreuses recherches l'ont située à l'époque préhistorique, lorsque les gens dansaient et chantaient autour du feu jusqu'à épuisement à des fins spirituelles et religieuses. Au fil de l'histoire, ces deux expressions artistiques ont évolué chacune de leur côté, ainsi qu'ensemble, donnant naissance au théâtre, aux comédies musicales, aux différents genres et aux multiples manifestations qui constituent le spectacle culturel actuel. Vivaldi, Beethoven, Mozart ou les milliers de compositeurs inconnus qui les ont précédés ont été chargés de poser les bases grâce auxquelles Tom Hooper ou Julie Taymor ont pu développer respectivement Cats et Le Roi Lion. 

Et pour que les diplômés intéressés par ce domaine puissent suivre leurs traces et contribuer au développement culturel, TECH et son équipe d'experts ont conçu ce Mastère spécialisé en Musique et Arts du Spectacle Il s'agit d'un diplôme pluridisciplinaire et 100% en ligne grâce auquel le diplômé voyagera à travers des siècles d'histoire, pouvant s'imprégner des caractéristiques de chaque genre et des auteurs et compositeurs les plus représentatifs de chaque époque. En outre, vous pourrez travailler intensivement au perfectionnement de vos compétences en matière de chant, de formation rythmique et d'esthétique musicale, en vous concentrant sur l'organisation d'événements et la mise en scène de comédies musicales, de pièces de théâtre et d'opéras. Vous porterez ainsi vos connaissances culturelles dans ce domaine au plus haut niveau, en étant capable de les appliquer à la fois dans les secteurs de l'enseignement et de la recherche et, bien sûr, dans les représentations scéniques. 

Tout cela, 100% en ligne et sur douze mois au cours desquels vous disposerez de 1.500 heures du meilleur contenu théorico-pratique, et, en plus, de ce dernier présenté sous différents formats: vidéos détaillées, articles de recherche, lectures complémentaires, exercices de connaissance de soi, études de cas, actualités, résumés dynamiques et bien plus encore! De cette manière, l'étudiant pourra contextualiser les informations contenues dans le syllabus et approfondir ses différentes sections de manière personnalisée. En outre, ils ne devront pas suivre un horaire strict, mais pourront concevoir leur propre emploi du temps, ce qui leur permettra d'adapter l'expérience académique non seulement à leurs exigences, mais aussi à leur disponibilité absolue.

Une qualification 100% en ligne avec laquelle vous acquerrez les connaissances les plus larges et les plus complètes sur l'initiation au chant choral" 

Ce Mastère spécialisé en Musique et Arts du Spectacle contient le programme académique le plus complet et le plus actuel du marché. Les principales caractéristiques sont les suivantes:

• Le développement d'études de cas présentées par des experts en Musique et Arts du Spectacle
• Le contenu graphique, schématique et éminemment pratique de l'ouvrage fournit des informations techniques et pratiques sur les disciplines essentielles à la pratique professionnelle
• Les exercices pratiques permettant de réaliser le processus d'auto-évaluation afin d'améliorer apprentissage
• Il met l'accent sur les méthodologies innovantes
• Des cours théoriques, des questions à l'expert, des forums de discussion sur des sujets controversés et un travail de réflexion individuel
• La possibilité d'accéder aux contenus depuis n'importe quel appareil fixe ou portable doté d'une connexion internet

Vous aurez douze mois pour compléter tout le contenu du programme. Vous aurez un accès illimité au campus virtuel à partir de n'importe quel appareil disposant d'une connexion internet"

Le programme comprend, dans son corps enseignant, des professionnels du secteur qui apportent à cette formation l'expérience de leur travail, ainsi que des spécialistes reconnus de grandes sociétés et d'universités prestigieuses. 

Son contenu multimédia, développé avec les dernières technologies éducatives, permettra de les professionnels un apprentissage situé et contextuel, c'est-à-dire un environnement simulé qui fournira une formation immersive programmée pour s'entraîner à des situations réelles. 

La conception de ce programme est axée sur l'apprentissage par les problèmes, grâce auquel les professionnels devront essayer de résoudre les différentes situations de pratique professionnelle qui leur sont présentées tout au long de l'année universitaire. Pour ce faire, ils pourront s'appuyer sur un système innovant de vidéos interactives réalisées par des experts reconnus.  

Une qualification parfaite pour vous faire découvrir l'évolution du répertoire choral du Moyen Âge à nos jours"

Vous recherchez un programme permettant de mettre en œuvre les techniques les plus sophistiquées et les plus efficaces de respiration diaphragmatique dans votre pratique musicale? Ce Mastère spécialisé l'inclut!"

Le programme de ce Mastère spécialisé a été conçu par une équipe d'experts en musique et en arts du spectacle. Grâce à cela, il a été possible de réaliser 1.500 heures de contenus théoriques, pratiques et supplémentaires, basés sur les informations les plus exhaustives, complètes et nécessaires pour acquérir les connaissances les plus pointues dans ce domaine. En outre, dans le cadre de ses efforts pour offrir des diplômes dynamiques et innovants, ce programme dispose d'un matériel audiovisuel diversifié, grâce auquel les diplômés pourront contextualiser chaque section du programme d'études et approfondir de manière personnalisée celles qu'ils considèrent comme les plus pertinentes pour leur développement professionnel et leurs performances. Tout cela est présenté dans un format pratique et accessible, 100 % en ligne, qui vous permet d'accéder au cours diplômant d'où vous voulez et avec un emploi du temps entièrement adapté à votre disponibilité.

L'utilisation de la méthodologie innovante Relearning dans le développement de ce programme vous permettra d'acquérir les connaissances les plus spécialisées sans devoir investir des heures supplémentaires dans la mémorisation"

Module 1. Chant choral

1.1. Formation chorale

1.1.1. Introduction au monde choral
1.1.2. Premières formations chorales
1.1.3. Formation chorale à l'unisson
1.1.4. Formation chorale polyphonique

1.2. Evolution du répertoire choral

1.2.1. La musique chorale au Moyen Âge
1.2.2. La musique chorale à la Renaissance
1.2.3. La musique chorale à l'époque baroque
1.2.4. La musique chorale dans le classicisme
1.2.5. La musique chorale dans le romantisme
1.2.6. La musique chorale au XXe siècle XXème siècle

1.3. La respiration diaphragmatique

1.3.1. Concepts de base et parties de l'appareil phonatoire
1.3.2. Le diaphragme, qu'est-ce que c'est?
1.3.3. L'utilité de la respiration diaphragmatique
1.3.4. Exercices pratiques pour la mémoire musculaire

1.4. Posture du corps

1.4.1. Posture corporelle correcte pour le chant

1.4.1.1. La tête
1.4.1.2. Le cou
1.4.1.3. La colonne vertébrale
1.4.1.4. Le bassin
1.4.1.5. Debout
1.4.1.6. Assise

1.5. Vocalisation

1.5.1. Qu'est-ce que la vocalisation et à quoi sert-elle?
1.5.2. Quand vocaliser?
1.5.3. Exercices pour exercer la voix
1.5.4. La diction dans le chant

1.6. Lecture de musique. Partie pratique

1.6.1. Travail de recherche sur la pièce à interpréter
1.6.2. Notes de lecture accompagnant le texte
1.6.3. Lire un texte avec du rythme
1.6.4. Lecture musicale séparée par voix
1.6.5. Lecture musicale avec toutes les voix réunies

1.7. Classification des voix

1.7.1. Tessiture vocale
1.7.2. Classification des voix féminines
1.7.3. Classification des voix masculines
1.7.4. La figure du contre-ténor

1.8. Le canon

1.8.1. Qu'est-ce qu'un canon?
1.8.2. Le canon et ses débuts
1.8.3. Types de canon
1.8.4. Offrande musicale BWV de J.S. Bach
1.8.5. Partie pratique du canon

1.9. Gestes de base en direction d'orchestre

1.9.1. Reconnaissance des principaux gestes
1.9.2. Les moments clés pour regarder le conducteur
1.9.3. L'importance de "l'attaque"
1.9.4. Silences

1.10. Genres, styles, formes et textures musicales

1.10.1. Introduction au terme de genre musical
1.10.2. Introduction au terme de style musical
1.10.3. Introduction au terme de forme musicale
1.10.4. Introduction au terme de texture musicale

Module 2. Conception des événements

2.1. Gestion de projet

2.1.1. Collecte d'informations, lancement du projet: Que faut-il savoir?
2.1.2. Étude des emplacements possibles
2.1.3. Avantages et inconvénients des options choisies

2.2. Techniques de recherche. Réflexion sur le design

2.2.1. Cartographie des parties prenantes
2.2.2. focus group
2.2.3. Benchmarking

2.3. Desing Thinking expérimentale

2.3.1. Immersion cognitive
2.3.2. Observation secrète
2.3.3. World café

2.4. Définition du public cible

2.4.1. À qui s'adresse l'événement
2.4.2. Pourquoi l'événement a-t-il lieu?
2.4.3. Les objectifs de l'événement

2.5. Tendances

2.5.1. Nouvelles tendances en matière de mise en scène
2.5.2. Entrées numériques
2.5.3. Événements immersifs et expérientiels

2.6. Personnalisation et conception spatiale

2.6.1. Adaptation de l'espace à la marque
2.6.2. Branding
2.6.3. Manuel de la marque

2.7. Marketing Experiencial

2.7.1. Vivre l'expérience
2.7.2. Événement immersif
2.7.3. Entretenir la mémoire

2.8. Signalisation

2.8.1. Techniques de signalisation
2.8.2. La vision de l'accompagnateur
2.8.3. Cohérence de l'histoire. Événement avec signalisation

2.9. Les lieux de l'événement

2.9.1. Études des lieux possibles. Les cinq pourquoi
2.9.2. Choix du lieu en fonction de l'événement
2.9.3. Critères de sélection

2.10. Mise en scène proposée. Types de lieux

2.10.1. Nouvelles propositions de mise en scène
2.10.2. Priorité à la proximité de l'orateur
2.10.3. Scénarios liés à l'interaction

Module 3. Musique de film

3.1. Communication audiovisuelle, concepts de base

3.1.1. Qu'est-ce que la communication audiovisuelle?
3.1.2. Les types de communication audiovisuelle
3.1.3. Communication audiovisuelle et influence sociale
3.1.4. Éléments de communication

3.2. L'histoire de la musique de film

3.2.1. Les premières bandes sonores
3.2.2. Le symphonisme classique
3.2.3. Le thème principal
3.2.4. Le nouveau symphonisme

3.3. Types de musique audiovisuelle

3.3.1. Musique diégétique
3.3.2. Musique de scène
3.3.3. Musique préexistante
3.3.4. Musique extradiégétique

3.4. Le son au cinéma

3.4.1. Démeny et la photographie parlante
3.4.2. Charles, phonographie et cinématographie
3.4.3. Léon Gaumont et la sonorisation des films
3.4.4. Jo Engel, Hans Vogt et Joseph Massole, Der Branstifer
3.4.5. Phonofilm: la synchronisation du son dans les films
3.4.6. Vitaphone, la synchronisation entre le disque et l'image

3.5. Cinéma classique

3.5.1. Les débuts du cinéma classique
3.5.2. Caractéristiques du cinéma hollywoodien classique
3.5.3. personnages
3.5.4. Le rôle de la musique dans le cinéma classique

3.6. Les plus importants compositeurs de bandes sonores de l'histoire

3.6.1. Camille Saint-Saëns et Mihail Ippolitov
3.6.2. Louis Silvers, considéré comme le premier compositeur pour le cinéma
3.6.3. Joseph Carl Breil
3.6.4. Max Steiner et King Kong
3.6.5. Bernard Herrmann
3.6.6. Principaux compositeurs des 30 dernières années

3.6.6.1. Hans Zimmer
3.6.6.2. Danny Elfman
3.6.6.3. Ennio Morricone
3.6.6.4. John Williams

3.7. L'évolution technique du cinéma

3.7.1. August et Louis Lumière, inventeurs du cinématographe, 1895
3.7.2. Georges Méliès et la surimpression d'images
3.7.3. Couleur Daniel Comstock et Burton Wescott, 1916
3.7.4. Son et télévision
3.7.5. Animation et Walt Disney
3.7.6. L'ère Pixar

3.8. Types d'écoute

3.8.1. L'écoute causale
3.8.2. Écoute des gestes
3.8.3. Réduction de l'écoute
3.8.4. Écoute sémantique
3.8.5. L'écoute verbale
3.8.6. L'écoute spatiale
3.8.7. Écoute procédurale
3.8.8. L'écoute empathique
3.8.9. Écoute taxonomique
3.8.10. L'écoute figurative
3.8.11. L'écoute inattentive

3.9. Écoute acousmatique

3.9.1. Qu'est-ce que l'acousmatique?
3.9.2. Origines L'école pythagoricienne
3.9.3. Style d’acousmatique
3.9.4. L'acoustique au cinéma

3.10. Son hors champ

3.10.1. Que sont les sons hors champ?
3.10.2. Englobant
3.10.3. Récit hors champ
3.10.4. Michel Chion: actif et passif hors champ

Module 4. Arts du spectacle

4.1. Les arts du spectacle

4.1.1. Qu'est-ce que les arts du spectacle?
4.1.2. Quelles sont les différentes formes d'arts du spectacle?
4.1.3. Introduction aux arts du spectacle
4.1.4. Rôle des arts du spectacle

4.2. Expression corporelle et verbale

4.2.1. Introduction
4.2.2. Le corps et le geste
4.2.3. Le corps et l'espace
4.2.4. Expression faciale

4.3. Naissance et évolution des arts du spectacle

4.3.1. Préhistoire
4.3.2. La Grèce antique
4.3.3. Le théâtre athénien
4.3.4. Théâtres sur les pentes rocheuses
4.3.5. L'Empire romain et le théâtre sacré chrétien

4.4. Renaissance et baroque dans les arts du spectacle

4.4.1. Le théâtre de la Renaissance: tragédie, drame et comédie
4.4.2. Seizième et dix-septième siècles: trois formes d'arts du spectacle en Europe

4.4.2.1. Théâtre populaire
4.4.2.2. Théâtre populaire
4.4.2.3. La Cour montre

4.4.3. Italie: opéra et théâtre musical. La comedia del arte
4.4.4. Angleterre: théâtre élisabéthain. Shakespeare
4.4.5. France: théâtre classique français. P. Corneille, Molière et Racine
4.4.6. Espagne: théâtre espagnol. Lope de Vega et Calderón de la Barca

4.5. Les arts du spectacle au siècle des Lumières

4.5.1. Principales caractéristiques de la scène au XVIIIe siècle. XVIII

4.5.1.1. Néoclassicisme

4.5.2. Néoclassicisme du XVIIIe siècle
4.5.3. Drame sentimental
4.5.4. L'évolution des arts du spectacle

4.5.4.1. Des thèmes actualisés aux problèmes de la population

4.6. Les arts du spectacle au du 19e s

4.6.1. Principales caractéristiques du siècle dans le domaine des arts
4.6.2. Construction du théâtre Festspielhaus à Bayreuth, fin du 19ème siècle, Allemagne
4.6.3. Le réalisme et le naturalisme de la seconde moitié du siècle
4.6.4. La comédie bourgeoise
4.6.5. Henrik Ibsen (1828-1906)
4.6.6. Henrik Ibsen. Oscar Wilde

4.7. L'influence des arts du spectacle sur la peinture du XXème siècle

4.7.1. L'expressionnisme en peinture
4.7.2. Kandinsky et les arts du spectacle
4.7.3. Picasso et l'avant-garde
4.7.4. Peinture métaphysique

4.8. Les arts de la scène dans la seconde moitié du XXème siècle

4.8.1. Les arts du spectacle au début du siècle
4.8.2. Rupture avec le naturalisme et le réalisme

4.8.2.1. Le début de l'expressionnisme et de l'avant-gardisme

4.8.3. L'existentialisme dans la deuxième moitié du siècle

4.8.3.1. L'existentialisme dans la seconde moitié du siècle Jean-Paul Sartre

4.8.4. Le théâtre de l'absurde

4.8.4.1. Eugène Ionesco

4.8.5. Le théâtre expérimental et le Happening

4.9. Le spectateur et la réception du spectacle scénique

4.9.1. Quelle est la réception du spectacle?
4.9.2. Le spectateur face à l'image en mouvement
4.9.3. Le spectateur conscient de lui-même
4.9.4. L'interaction du spectateur
4.9.5. Le spectateur actuel

4.10. Musique sur scène

4.10.1. Qu'est-ce que la musique dans les arts du spectacle?
4.10.2. Comment la musique de scène peut-elle être?
4.10.3. Classification des significations de la musique
4.10.4. Espace et mouvement
4.10.5. Objets et événements dans un lieu
4.10.6. Caractère, humeur et émotions

Module 5. Chœurs

5.1. La voix humaine. Appareil phonatoire. Le diaphragme

5.1.1. La voix humaine
5.1.2. Intensité et fréquences de la voix
5.1.3. L'appareil à résonateur

5.1.3.1. Les résonateurs

5.1.4. Le diaphragme

5.2. Préparation du corps pour le chant

5.2.1. Inspirer et expirer
5.2.2. Soutien diaphragmatique
5.2.3. Positionnement et rectification des mauvaises habitudes posturales
5.3.4. Libération des muscles faciaux
5.3.5. Étirements

5.3. Une posture corporelle correcte

5.3.1. La tête
5.3.2. Le cou
5.3.3. La colonne vertébrale
5.3.4. Le bassin
5.3.5. Debout
5.3.6. Assise

5.4. Vocalisation

5.4.1. Respiration
5.4.2. Vocalisations combinaison de consonnes nasales avec des voyelles ouvertes
5.4.3. Vocalisations combinant des consonnes nasales avec des voyelles fermées
5.4.4. Les voyelles de la tessiture (l'étendue de chacune des voix)

5.5. Lecture musicale

5.5.1. Lire des notes sans intonation
5.5.2. Lire de la musique avec intonation et sans texte
5.5.3. Lecture du texte
5.5.4. Lecture musicale de tout

5.6. Chant choral A Capella

5.6.1. Qu'est-ce que le chant a Capella?
5.6.2. Introduction au chant choral a Capella et au répertoire principal
5.6.3. Partie pratique: chant a Capella par des voix séparées
5.6.4. Partie pratique: chant a Capella par toutes les voix ensemble

5.7. Initiation au chant grégorien

5.7.1. Qu'est-ce que le chant grégorien?
5.7.2. Débuts et évolution du chant grégorien
5.7.3. Connaissance des principaux ouvrages

5.7.3.1. Puer Natus Est Nobis. Introit (Mode VII)
5.7.3.2. Genuit Puerpera Regem. Antienne et Psaume 99 (Mode II)
5.7.3.3. Veni Creator Spiritus. Hymne (Mode VIII)

5.7.4. Partie pratique: interprétation d'une pièce grégorienne

5.8. Le chœur d'opéra

5.8.1. Qu'est-ce que le chœur d'opéra?
5.8.2. Premiers opéras avec une partie chorale
5.8.3. L'importance du chœur dans l'opéra
5.8.4. Parties chorales des opéras les plus transcendants

5.8.4.1. Va pensiero. Nabucco. G. Verdi
5.8.4.2. Perchè tarda la luna. Turandot. G. Puccini

5.9. Interprétation des gestes de la direction de chœur

5.9.1. Marquage des tempi
5.9.2. L'attaque
5.9.3. Gestes anacoustiques
5.9.4. Silences

5.10. Soins de la voix

5.10.1. Quelles blessures pouvons-nous éviter si nous prenons soin de notre voix?
5.10.2. Hygiène pour une émission correcte de la voix
5.10.3. Soins physiques de la voix
5.10.4. Exercices pour régler la respiration diaphragmatique

Module 6. Répertoire vocal- orchestral

6.1. La classification des voix

6.1.1. Introduction aux types de voix
6.1.2. Soprano
6.1.3 Mezzo-soprano
6.1.4. Contralto
6.1.5. Contre-ténor
6.1.6. Ténor
6.1.7. Baryton
6.1.8. Basse

6.2. Opéra

6.2.1. Les débuts de l'opéra
6.2.2. Opéra italien

6.2.2.1. Le baroque
6.2.2.2. Les réformes de Gluck et Mozart
6.2.2.3. Bel Canto

6.2.3. Opéra allemand
6.2.4. Compositeurs et opéras à l'honneur

6.3. Structure de l'opéra

6.3.1. Actes et scènes
6.3.2. Le récitatif
6.3.3. Duos, tercets
6.3.4. Partie chorale

6.4. L'opérette

6.4.1. Qu'est-ce que l'opérette?
6.4.2. L'opérette française
6.4.3. L'opérette viennoise
6.4.4. Influence de l'opérette sur les débuts de la comédie musicale

6.5. L'opéra Buffa

6.5.1. Qu'est-ce que l'opera buffa?
6.5.2. Les débuts de l'opera buffa
6.5.3 La Cilla. Michelangelo Faggioli
6.5.4. Le plus important opéra-bouffe

6.6. Opéra comique français

6.6.1. Qu'est-ce que l'opéra comique français?
6.6.2. Quand l'opéra comique français est-il apparu?
6.6.3. L'évolution de l'opéra-comique français à la fin du siècle. XVIII
6.6.4. Principaux compositeurs d'opéra-comique français

6.7. L'opéra ballade anglais et le Singspiel allemand

6.7.1. Introduction à l'opéra-ballade
6.7.2. Introduction au Singspiel
6.7.3. Les origines du Singspiel
6.7.4. Singspiel dans la période Rococo
6.7.5. Principaux Singspiel et leurs compositeurs

6.8. La zarzuela

6.8.1. Qu'est-ce que la zarzuela?
6.8.2. Les débuts de La zarzuela
6.8.3. Principales Zarzuelas
6.8.4. Principaux compositeurs

6.9. La messe

6.9.1. Description du genre Mass
6.9.2. Parties de la messe
6.9.3. Le requiem
6.9.4. Requiems les plus remarquables

6.9.4.1. Requiem de Mozart

6.10. La symphonie et le chœur

6.10.1. La symphonie chorale
6.10.2. Naissance et évolution
6.10.3. Principales symphonies et compositeurs
6.10.4. Symphonies pour choeur sans accompagnement

Module 7. Esthétique musicale

7.1. Esthétique musicale

7.1.1. Qu'est-ce que l'esthétique musicale?
7.1.2. Esthétique hédoniste
7.1.3. Esthétique spiritualiste
7.1.4. Esthétique intellectualiste

7.2. La pensée musicale dans le monde antique

7.2.1. Le concept mathématique de la musique
7.2.2. D'Homère aux pythagoriciens
7.2.3. Le “nomoi”
7.2.4. Platon, Aristote. Aristoxenus et l'école péripatéticienne

7.3. Transition entre le monde antique et le monde médiéval

7.3.1. Premiers siècles de la période médiévale
7.3.2. Création de tropes, de séquences et de drames liturgiques
7.3.3. Les troubadours et les ménestrels
7.3.4. Les cantigas

7.4. Le Moyen Âge

7.4.1. De l'abstrait au concret; Musica Enchiriadis
7.4.2. Guido D'arezzo et la pédagogie musicale
7.4.3. La naissance de la polyphonie et les nouveaux problèmes de la théorie musicale
7.4.4. Marchetto di Padua et Franco de Cologne
7.4.5. Ars Antiqua et Ars Nova: conscience critique

7.5. La Renaissance et la nouvelle rationalité

7.5.1. Johannes Tinctoris et les "effets" de la musique
7.5.2. Les premiers théoriciens humanistes: Glareanus. Zarlinus et le nouveau concept d'harmonie
7.5.3. La naissance du mélodrame
7.5.4. La Camerata de Bardi

7.6. Réforme et contre-réforme: paroles et musique

7.6.1. La Réforme protestante. Martin Luther
7.6.2. La Contre-Réforme
7.6.3. La compréhension des textes et de l'harmonie
7.6.4. Le nouveau pythagorisme. Leibniz: réconciliation entre les sens et la raison

7.7. Du rationalisme baroque à l'esthétique du sentiment

7.7.1. La théorie des affections, l'harmonie et le mélodrame
7.7.2. L'imitation de la nature
7.7.3. Descartes et les idées innées
7.7.4. L'empirisme britannique par opposition à Descartes

7.8. Les Lumières et les encyclopédistes

7.8.1. Rameau: l'union de l'art et de la raison
7.8.2. E. Kant et la musique
7.8.3. Musique vocale et instrumentale. Bach et le luminisme
7.8.4. L'illuminisme et la forme-sonate

7.9. Romantisme

7.9.1. Wackenroder: la musique comme langage privilégié
7.9.2. Schelling, Hegel, Schopenhauer
7.9.3. Le musicien romantique contre la musique
7.9.4. Musique programmée
7.9.5. Wagner
7.9.6. Nietzsche et la crise de la raison romantique

7.10. Le positivisme et la crise de l'esthétique du XXème siècle

7.10.1. Hanslick et le formalisme
7.10.2. Le positivisme et la naissance de la musicologie
7.10.3. Le néo-idéalisme italien et l'esthétique musicale
7.10.4. Sociologie de la musique

Module 8. Entraînement rythmique et danse

8.1. Principes fondamentaux de l'éducation rythmique

8.1.1. Entraînement rythmique
8.1.2. Jaques Dalcroze
8.1.3. La méthode Dalcroze, qu'est-ce que c'est?
8.1.4. Caractéristiques de la méthode Dalcroze

8.2. Rythme musical

8.2.1. Principes et éléments du rythme musical
8.2.2. Relation avec les éléments qualitatifs du mouvement
8.2.3. Rythme libre et rythmique: le mot et le rythme
8.2.4. Le mètre et ses éléments: pulsation, accentuation et subdivision du temps
8.2.5. Motifs rythmiques élémentaires

8.3. Danse et musique

8.3.1. Qu'est-ce que la danse?
8.3.2. Éléments de la danse
8.3.3. Histoire de la danse et de la musique
8.3.4. L'importance de la musique dans la danse

8.4. Types de danse

8.4.1. Danse académique
8.4.2. Danse classique
8.4.3. Danse moderne
8.4.4. Danse contemporaine
8.4.5. Danse traditionnelle
8.4.6. Danse folklorique
8.4.7. Danse régionale
8.4.8. Danse populaire

8.5. Répertoire principal des types de danse

8.5.1. Répertoire en danse académique
8.5.2. Répertoire de danse classique
8.5.3. Répertoire de danse moderne
8.5.4. Répertoire en danse contemporaine
8.5.5. Répertoire de la danse traditionnelle
8.5.6. Répertoire de la danse folklorique
8.5.7. Répertoire de danses régionales
8.5.8. Répertoire de danses populaires

8.6. Danse contemporaine

8.6.1. La danse contemporaine et ses débuts
8.6.2. L'école américaine
8.6.3. L'école européenne
8.6.4. Deuxième et troisième génération

8.7. La technique de danse Graham

8.7.1. Qui était Martha Graham?
8.7.2. Qu'est-ce que la technique Graham?
8.7.3. Principes de base de la technique de Graham
8.7.3.1. Contraction et relâchement
8.7.4. Spirales, levage et forces rencontrées

8.8. La technique de danse Cunningham

8.8.1. Merce Cunningham
8.8.2. Qu'est-ce que la technique Cunningham?
8.8.3. Les idées clés de Cunningham
8.8.4. Les chorégraphies les plus remarquables de Cunningham

8.9. Technique du citron

8.9.1. José Limón
8.9.2. Définition de la technique de Limón
8.9.3. Méthode
8.9.4. Principales chorégraphies de Limón

8.10. La danse comme méthode psychothérapeutique

8.10.1. La thérapie par la danse
8.10.2. Histoire de la thérapie par la danse
8.10.3. Pionniers de la thérapie par la danse
8.10.4. Méthodes de thérapie par la danse

Module 9. Comédies musicales

9.1. Comédies musicales

9.1.1. Qu’est-ce comédie musicale?
9.1.2. Caractéristiques de la comédie musicale
9.1.3. Histoire de la comédie musicale
9.1.4. Principales comédies musicales

9.2. Les plus grands compositeurs de comédies musicales

9.2.1. Leonard Bernstein
9.2.2. John Kander
9.2.3. Stephen Lawrence Schwartz
9.2.4. Andrew Lloyd Webber

9.3. Techniques d'interprétation appliquées à la musique

9.3.1. La méthode Stanislavsky
9.3.2. La technique de Tchekhov
9.3.3. La technique Meisner
9.3.4. Lee Strasberg et sa méthode

9.4. Techniques de chant

9.4.1. Apprentissage théorique et pratique de la technique du chant et de la formation vocale adaptée à la comédie musicale
9.4.2. Étude de l'anatomie du larynx et du fonctionnement de l'appareil respiratoire et phonatoire
9.4.3. Reconnaissance du diaphragme
9.4.4. Diction correcte

9.5. Danse contemporaine. Hip-Hop

9.5.1. Style de danse contemporain
9.5.2. Principaux mouvements dans le Hip-Hop
9.5.3. Les étapes de base du Hip-Hop
9.5.4. Introduction à la création de chorégraphies

9.6. Musique

9.6.1. Théorie de la musique
9.6.2. Lecture du score
9.6.3. Le rythme
9.6.4. Éducation auditive

9.7. Les grandes étapes de la comédie musicale

9.7.1. Étude de l'histoire du genre musical à partir des antécédents européens et nord-américains
9.7.2. Consolidation et splendeur du théâtre musical aux États-Unis
9.7.3. L'actualité du genre et son incidence sur les panneaux d'affichage
9.7.4. L'ère numérique de la comédie musicale

9.8. Interprétation en profondeur

9.8.1. Construction théâtrale d'un personnage
9.8.2. Construction vocale d'un personnage
9.8.3. Construction chorégraphique d'un personnage
9.8.4. Fusion de tout ce qui précède: création finale du personnage

9.9. Les comédies musicales au cinéma

9.9.1. Le Fantôme de l'Opéra
9.9.2. Les Miserables
9.9.3. Jésus-Christ Superstar
9.9.4. West Side Story

9.10. Chanteurs principaux de comédies musicales

9.10.1. Sarah Brightman
9.10.2. Philip Quast
9.10.3. Michael Ball
9.10.4. Sierra Bogges

Module 10. Chanter

10.1. Respiration

10.1.1. Le diaphragme
10.1.2. Antécédents de respiration diaphragmatique
10.1.3. Exercices pratiques de respiration
10.1.4. Les signes respiratoires et leur importance

10.2. Préparation au chant

10.2.1. Étirements du cou
10.2.2. Étirement des bras
10.2.3. Massage de la mâchoire
10.2.4. Vocalisation

10.3. L'appareil phonatoire

10.3.1. Qu'est-ce que l'appareil vocal?
10.3.2. Organes respiratoires
10.3.3. Organes de la phonation
10.3.4. Organes d'articulation

10.4. Le falsetto

10.4.1. Qu'est-ce que le falsetto?
10.4.2. Qu'est-ce que le falsetto?
10.4.3. La voix de tête
10.4.4. Exemples d'utilisation du falsetto

10.5. Répertoire vocal de jazz

10.5.1. Caractéristiques du jazz
10.5.2. Technique vocale SCAT
10.5.3. Glossolalie
10.5.4. Exécution d'une œuvre à choisir dans une liste stipulée

10.6. Répertoire vocal pop

10.6.1. Origine du terme pop
10.6.2. Caractéristiques de la musique pop
10.6.3. Technique pop
10.6.4. Exécution d'une œuvre à choisir dans une liste stipulée

10.7. Répertoire vocal d'opéra

10.7.1. Caractéristiques de l'opéra
10.7.2. Technique d'opéra
10.7.3. Impostation
10.7.4. Exécution d'une œuvre à choisir dans une liste stipulée

10.8. Répertoire vocal de lieds

10.8.1. Caractéristiques du lied
10.8.2. Technique du lied
10.8.3. Thèmes généraux du lied
10.8.4. Exécution d'une œuvre à choisir dans une liste stipulée

10.9. Répertoire vocal de la Zarzuela

10.9.1. Caractéristiques de la zarzuela
10.9.2. Technique de la zarzuela
10.9.3. Thèmes généraux de la zarzuela
10.9.4. Exécution d'une œuvre à choisir dans une liste stipulée

10.10. Répertoire vocal de la comédie musicale

10.10.1. Caractéristiques de la comédie musicale
10.10.2. La technique dans la musique
10.10.3. La voix parlée
10.10.4. Exécution d'une œuvre à choisir dans une liste stipulée

N'y pensez pas à deux fois et optez pour un diplôme qui élèvera votre talent musical et artistique, ainsi que votre niveau culturel, au sommet du secteur"